15 accordi jazz per pianoforte popolari resi facili

Una delle caratteristiche più importanti della musica jazz è la sua ricca armonia. A differenza di molte altre forme di musica, è pieno di intricate progressioni di accordi e accordi corposi. Può sembrare un po’ intimidatorio per un estraneo che guarda dentro, ma chiunque abbia una conoscenza di base delle strutture degli accordi non è troppo lontano!

In questo post, esploreremo 15 accordi di pianoforte jazz di base in posizione fondamentale che puoi incorporare nel tuo modo di suonare il pianoforte, sia che tu sia nuovo nel suonare il pianoforte jazz o che tu stia cercando di migliorare le tue capacità jazz da un po ‘.

Gli accordi di pianoforte che tratteremo si trovano in così tante progressioni di accordi jazz comuni. Imparando questi 15 accordi di pianoforte jazz (in ogni chiave), puoi suonare qualsiasi standard jazz che incontri.

Tratteremo gli accordi maggiori essenziali, gli accordi dominanti, gli accordi minori, l’accordo diminuito e le estensioni essenziali in modo che tu possa sederti con altri musicisti jazz alla prossima jam session:

  • Accordi di settima maggiore
  • Accordi di nona maggiore
  • Accordi maggiori di 6/9
  • Accordi di settima dominante
  • Dominante 9 accordi
  • Accordi di dominante 7(b9)
  • Accordi Dominant 7(#9)
  • Accordi Dominant 7(#5)
  • Accordi di 7 dominante (b5)
  • Accordi di settima minore
  • Accordi di 9 minori
  • Accordi di 6 minori
  • Accordi di 7 minore(b5)
  • Accordo di settima diminuita

Prima di iniziare, ho una domanda per te.

Ti senti bloccato nel tuo viaggio al pianoforte jazz? Prendi lezione dopo lezione ma non riesci a fare progressi? Come molti musicisti jazz, probabilmente conosci l’importanza di esercitarti, ma sapevi che esercitarsi è un’abilità che richiede… beh, un po’ di pratica?

La stragrande maggioranza dei pianisti incontra un muro con la pratica e non progredisce mai oltre un certo punto. Se vuoi entrare a far parte di una comunità di avidi jazzisti che desiderano seriamente imparare a esercitarsi in modo efficace, allora devi dare un’occhiata al nostro Inner Circle.

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Una breve parola sull’armonia jazz

Sebbene i musicisti jazz possano usare una parola diversa o un simbolo di accordo per descrivere i toni degli accordi, i gradi di scala o altre caratteristiche della musica jazz, la musica jazz (e la teoria del jazz) opera sullo stesso insieme di regole di base della musica classica, della musica rock e di altri le forme di musica lo fanno. Che tu stia suonando Au Claire De Lune, Rock the Casbah o Giant Steps, tutto si basa sull’armonia terziaria.

Allora perché la musica jazz suona così ricca, espressiva e unica?

Il motivo per cui la musica jazz (e gli accordi di pianoforte jazz che spesso la alimentano) suona così ricco e materico ha molto a che fare con lo stile del pianista e le note che scelgono per rappresentare l’armonia del momento.

Cosa rende Bill Evans diverso da Thelonius Monk? Fondamentalmente, è sia quello che scelgono di suonare sia il modo in cui scelgono di suonarlo. Dall’espressione nella melodia e le particolari voci degli accordi che un musicista sceglie alla tecnica della mano destra o della mano sinistra che usa per suonarla, quando ascolti il jazz, è tutta una questione di personalità dietro la musica.

Sulle origini strumentali del jazz

jazz, forma musicale, spesso improvvisata, sviluppata dagli afroamericani e influenzata sia dalla struttura armonica europea che dai ritmi africani. È stato sviluppato in parte dal ragtime e dal blues ed è spesso caratterizzato da ritmi sincopati, esecuzione di ensemble polifonici, vari gradi di improvvisazione, deviazioni di tono spesso deliberate e l’uso di timbri originali.

Qualsiasi tentativo di arrivare a una definizione precisa e onnicomprensiva del jazz è probabilmente inutile. Il jazz è stato, sin dai suoi inizi all’inizio del XX secolo, una musica in continua evoluzione, espansione, cambiamento, passando attraverso diverse fasi distintive di sviluppo; una definizione che potrebbe applicarsi a una fase, ad esempio allo stile o allo swing di New Orleans, diventa inappropriata se applicata a un altro segmento della sua storia, diciamo, al free jazz. I primi tentativi di definire il jazz come una musica la cui caratteristica principale era l’improvvisazione, ad esempio, si sono rivelati troppo restrittivi e in gran parte falsi, dal momento che anche la composizione, l’arrangiamento e l’ensemble sono stati componenti essenziali del jazz per la maggior parte della sua storia. Allo stesso modo, la sincope e lo swing, spesso considerati essenziali e unici per il jazz, mancano di fatto in gran parte del jazz autentico, sia degli anni ’20 che dei decenni successivi. Ancora una volta, l’idea di lunga data che lo swing non potesse verificarsi senza sincope è stata completamente smentita quando i trombettisti Louis Armstrong e Bunny Berigan (tra gli altri) hanno spesso generato un enorme swing mentre suonavano semiminime ripetute e non sincopate.

Il jazz, infatti, non è – e non è mai stato – una musica interamente composta, predeterminata, né interamente improvvisata. Per quasi tutta la sua storia ha impiegato sia approcci creativi in vari gradi che infinite permutazioni. Eppure, nonostante queste diverse confusioni terminologiche, il jazz sembra essere immediatamente riconosciuto e distinto come qualcosa di separato da tutte le altre forme di espressione musicale. Per ripetere la famosa risposta di Armstrong quando gli è stato chiesto cosa significasse swing: “Se devi chiedere, non lo saprai mai”. Ad aumentare la confusione, spesso ci sono state differenze percettive apparentemente incolmabili tra i produttori di jazz (esecutori, compositori e arrangiatori) e il suo pubblico. Ad esempio, con l’arrivo del free jazz e di altre manifestazioni d’avanguardia degli ultimi giorni, molti musicisti senior sostenevano che la musica che non oscillava non fosse jazz.

La maggior parte dei primi compositori di musica classica (come Aaron Copland, John Alden Carpenter e persino Igor Stravinsky, che si innamorò del jazz) erano attratti dai suoi suoni e timbri strumentali, dagli effetti insoliti e dalle inflessioni del jazz (sordine di ottoni, glissando, scoop, bends, e ensemble senza archi), e le sue sincopi, ignorando completamente, o almeno sottovalutando, gli aspetti estemporanei del jazz. In effetti, i suoni che i musicisti jazz emettono sui loro strumenti – il modo in cui attaccano, flettono, rilasciano, abbelliscono e colorano le note – caratterizzano l’esecuzione jazz a tal punto che se un brano classico fosse suonato da musicisti jazz nei loro fraseggi idiomatici, sarebbe si chiamerebbe con ogni probabilità jazz.

Tuttavia, un aspetto importante del jazz lo distingue chiaramente da altre aree musicali tradizionali, in particolare dalla musica classica: l’esecutore jazz è principalmente o totalmente un compositore creativo, improvvisatore – il suo stesso compositore, per così dire – mentre nella musica classica l’esecutore tipicamente esprime e interpreta la composizione di qualcun altro.

Africa occidentale nel sud americano: raccogliere gli elementi musicali del jazz

Gli elementi che contraddistinguono il jazz derivano principalmente da fonti musicali dell’Africa occidentale portate nel continente nordamericano dagli schiavi, che li hanno parzialmente preservati contro ogni previsione nella cultura delle piantagioni del sud americano. Questi elementi non sono identificabili con precisione perché non sono stati documentati, almeno non fino alla metà e alla fine del XIX secolo, e quindi solo scarsamente. Inoltre, gli schiavi neri provenivano da diverse culture tribali dell’Africa occidentale con tradizioni musicali distinte. Così, una grande varietà di sensibilità musicali nere è stata assemblata sul suolo americano. Questi a loro volta incontrarono piuttosto rapidamente elementi musicali europei, ad esempio semplici musiche da ballo e di intrattenimento e melodie di inni dalle note di forma, come erano prevalenti nel Nord America dell’inizio del XIX secolo.

La musica che alla fine divenne jazz si è evoluta da una miscela ampia e gradualmente assimilata di musiche folk bianche e nere e stili popolari, con radici sia nell’Africa occidentale che in Europa. È solo una leggera semplificazione affermare che gli elementi ritmici e strutturali del jazz, così come alcuni aspetti della sua strumentazione abituale (ad esempio, banjo o chitarra e percussioni), derivano principalmente dalle tradizioni dell’Africa occidentale, mentre le influenze europee possono essere ascoltate non solo nel linguaggio armonico del jazz, ma anche nell’uso di strumenti convenzionali come tromba, trombone, sassofono, contrabbasso e pianoforte.

Le sincopi del jazz non erano del tutto nuove: erano state l’attrazione centrale di uno dei suoi precursori, il ragtime, e si potevano sentire anche prima nella musica dei menestrelli e nell’opera del compositore creolo Louis Moreau Gottschalk (Bamboula, sottotitolato Danse des Nègres, 1844–45, e Ojos Criollos, 1859, tra gli altri). Tuttavia, la sincope jazz ha colpito gli ascoltatori non neri come affascinante e nuova, perché quel particolare tipo di sincope non era presente nella musica classica europea. Le sincopi nel ragtime e nel jazz erano, infatti, il risultato della riduzione e della semplificazione (per un periodo di almeno un secolo) dei disegni complessi, multistrato, poliritmici e polimetrici indigeni di tutti i tipi di danza rituale dell’Africa occidentale e musica d’insieme. In altre parole, le precedenti accentuazioni di più metri verticalmente concorrenti furono drasticamente semplificate in accenti sincopati.

La provenienza della melodia (melodia, tema, motivo, riff) nel jazz è più oscura. Con ogni probabilità, la melodia del jazz si è evoluta da un residuo semplificato e da una miscela di materiali vocali africani ed europei sviluppati intuitivamente dagli schiavi negli Stati Uniti nel 1700 e 1800, ad esempio urla di campo non accompagnate e canti di lavoro associati alle mutate condizioni sociali di Neri. L’enfasi ampiamente prevalente sulle formazioni pentatoniche proveniva principalmente dall’Africa occidentale, mentre le linee melodiche diatoniche (e successivamente più cromatiche) del jazz sono cresciute dagli antecedenti europei della fine del XIX e dell’inizio del XX secolo.

L’armonia fu probabilmente l’ultimo aspetto della musica europea ad essere assorbito dai neri. Ma una volta acquisita, l’armonia è stata applicata come risorsa musicale aggiuntiva ai testi religiosi; un risultato fu il graduale sviluppo degli spiritual, prendendo in prestito dagli incontri di risveglio religioso bianco a cui gli afroamericani in molte parti del sud erano invitati a partecipare. Un risultato cruciale di queste acculturazioni musicali fu lo sviluppo da parte dei neri della cosiddetta scala blues, con le sue “note blu”, il terzo e il settimo grado bemolle. Questa scala non è né particolarmente africana né particolarmente europea, ma ha acquisito la sua modalità peculiare da inflessioni di tono comuni a un numero qualsiasi di lingue e forme musicali dell’Africa occidentale. In effetti queste deviazioni di tono altamente espressive – e in termini africani molto significative – erano sovrapposte alla scala diatonica comune a quasi tutta la musica classica e vernacolare europea.

Che il jazz si sia sviluppato unicamente negli Stati Uniti, non nei Caraibi o in Sud America (o in qualsiasi altro regno in cui sono stati trasportati anche migliaia di neri africani) è storicamente affascinante. Molti neri in quelle altre regioni erano molto spesso emancipati all’inizio del 1800 e quindi erano individui liberi che partecipavano attivamente allo sviluppo culturale dei propri paesi. Nel caso del Brasile, i neri erano così geograficamente e socialmente isolati dall’establishment bianco che erano semplicemente in grado di conservare le proprie tradizioni musicali africane in una forma virtualmente pura. È quindi ironico che il jazz probabilmente non si sarebbe mai evoluto se non fosse stato per la tratta degli schiavi come veniva praticata specificamente negli Stati Uniti.

Il jazz è cresciuto dagli schiavi afroamericani a cui è stato impedito di mantenere le loro tradizioni musicali native e hanno sentito il bisogno di sostituire qualche forma di espressione musicale nostrana. Compositori come il mulatto brasiliano José Maurício Nunes Garcia erano pienamente in contatto con i progressi musicali del loro tempo che si stavano sviluppando in Europa e scrivevano musica in quegli stili e tradizioni. Gli schiavi americani, al contrario,erano limitati non solo nelle condizioni di lavoro e nelle osservanze religiose, ma anche nelle attività del tempo libero, inclusa la musica. Sebbene gli schiavi che suonavano strumenti come il violino, il corno e l’oboe fossero sfruttati per i loro talenti musicali in città come Charleston, nella Carolina del Sud, queste erano situazioni eccezionali. In generale gli schiavi erano relegati a raccogliere qualsiasi piccolo frammento di musica fosse loro concesso.