Qual è la storia della musica jazz?

La musica jazz è un genere musicale ispirato e improvvisato. Il pianista, il sassofonista e il trombettista sono tra gli strumenti più importanti del jazz tradizionale. In questo articolo, evidenzieremo alcuni elementi che rendono la musica jazz l’entusiasmante stile musicale che è.

Ci sono molti modi per definire la musica. Alcune persone lo chiamano un linguaggio per esprimere emozioni e sentimenti. Questi sentimenti possono essere amore, tristezza, felicità e persino dolore. La musica jazz è stata spesso descritta come il linguaggio del crepacuore… o è stata definita come qualcosa che riflette la realtà in tutto il suo splendore. Ma quali sono esattamente le proprietà che lo rendono tale?

Dalle sue origini fino ad oggi, il jazz è stato influenzato dalla musica popolare americana del XIX e XX secolo. Il termine jazz è apparso per la prima volta sulla costa occidentale ed è stato utilizzato per descrivere la musica eseguita a Chicago negli anni ’15. Sebbene il jazz fosse eseguito a New Orleans prima di allora, non era chiamato jazz.

Il jazz è molto difficile da definire perché si basa sulla variabilità dal Ragtime ai movimenti Fusion di oggi. Forse possiamo definirla come una forma di musica d’arte, come una forma che ha avuto origine in America ma è stata modellata dall’opposizione dei neri alla musica europea.

Storia della musica jazz

Il jazz è un genere musicale radicato nel blues e nel ragtime che ha avuto origine nelle comunità afroamericane di New Orleans, in Louisiana, tra la fine del XIX e l’inizio del XX secolo. Dall’età del jazz degli anni ’20, è stato un musical importante nella musica tradizionale e popolare. accettata come forma espressiva. Jazz, swing e note blu, accordi complessi, voci di chiamata e risposta, poliritmi e improvvisazione. Il jazz ha radici nell’armonia europea e nei rituali ritmici africani.

Man mano che il jazz si diffondeva in tutto il mondo, attingeva a culture musicali nazionali, regionali e locali che diedero origine a stili diversi. Il jazz di New Orleans iniziò nei primi anni ’10, combinando bande musicali, quadriglie francesi, biguine, ragtime e blues con l’improvvisazione polifonica collettiva. Ma il jazz non è nato come un’unica tradizione musicale a New Orleans o altrove. Negli anni ’30, le big band swing orientate alla danza, il jazz di Kansas City (uno stile hard rock, blues, improvvisato) e il gypsy jazz (uno stile che enfatizza i valzer musette) erano stili importanti.

Il bebop è emerso negli anni ’40 e ha spostato il jazz dalla musica popolare ballabile a una “musica da musicista” più esigente suonata a tempi più veloci e utilizzando più improvvisazioni basate sugli accordi. Il jazz freddo fiorì alla fine degli anni ’40, portando suoni più calmi e morbidi e linee melodiche lunghe e lineari.

La metà degli anni ’50 vide l’emergere dell’hard bop, che introdusse influenze dal rhythm and blues, dal gospel e dal blues a piccoli gruppi, e in particolare al sassofono e al pianoforte. Il jazz modale si è sviluppato alla fine degli anni ’50, utilizzando la modalità o la scala musicale come base per la struttura musicale e l’improvvisazione, proprio come il free jazz, che esplorava il suonare senza misure, ritmi e strutture formali regolari.

La fusione jazz-rock è emersa alla fine degli anni ’60 e all’inizio degli anni ’70, combinando l’improvvisazione jazz con i ritmi della musica rock, gli strumenti elettrici e il suono del palcoscenico altamente amplificato. All’inizio degli anni ’80, lo smooth jazz, una forma commerciale di jazz fusion, ebbe successo e ottenne una copertura radiofonica significativa. Abbondano altri stili e generi, come il jazz latino e afro-cubano negli anni 2000.

Cos’è il Jazz? Una breve guida alla musica jazz per principianti

È difficile rispondere alla domanda “Cos’è il jazz?” in una sola riga. Questo genere musicale ha fatto molta strada dalle sue umili origini a New Orleans tra la fine del XIX e l’inizio del XX secolo. Quello che è iniziato principalmente come un simbolo dell’emancipazione afroamericana è ora indicato come “musica classica americana”. Secondo la credenza popolare, la musica jazz combina le tradizioni musicali dell’Africa occidentale (ritmo, blues) con tratti tradizionali europei (accordi armonici, strumentali) .

Sebbene alcuni credano che il jazz abbia superato i suoi giorni di gloria, questo genere musicale rilassante continua a essere popolare tra i fan più accaniti. Non è mai troppo tardi per entrare nel jazz. Diamo un’occhiata a questa breve guida alla musica jazz per iniziare.

1. Dove ha avuto inizio il jazz?

Per rispondere alla domanda “cos’è il jazz?” devi capire le sue origini. Come accennato in precedenza, è possibile far risalire l’origine del jazz agli anni ’20 a New Orleans, una città portuale che era il fulcro dell’attività sociale. Era anche uno dei pochi posti in cui agli afroamericani era permesso possedere tamburi.

Il jazz si diffuse rapidamente in tutta l’America poiché musicisti di culture musicali nazionali, regionali e locali contribuirono a questo genere. Questa trasformazione ha dato origine a diversi tipi di jazz nel corso degli anni. Ad esempio, Bebop è emerso negli anni ’40, mentre le fusioni jazz-rock sono diventate famose alla fine degli anni ’60 e all’inizio degli anni ’70.

2. Quali sono le tre qualità distintive del jazz?

Ci sono diversi tipi di stili jazz. Sono caratterizzati dai loro ritmi distintivi, dalla raffinatezza armonica e dall’improvvisazione. In effetti, l’improvvisazione è considerata l’elemento più determinante del jazz.

In un concerto dal vivo, vedrai quasi tutti i membri della band improvvisare su una determinata melodia o accordi. Viene dall’umore dell’esecutore, dal pubblico e dall’interazione tra i membri della band. Questo è ciò che conferisce al jazz il suo fascino unico.

3. Otto elementi vitali della musica jazz

Quando si decifra la musica jazz per principianti, il miglior punto di partenza è spiegare gli otto elementi vitali di questo genere musicale unico. Di solito, i musicisti jazz usano ottoni e strumenti a fiato per creare melodie. Tuttavia, a seconda dei diversi tipi di jazz, gli ensemble jazz possono utilizzare uno o tutti questi otto elementi.

  • Batteria: la batteria è il ritmo e il tempo del jazz. Alcuni dei tamburi per eccellenza usati nel jazz sono la grancassa, l’hi-hat, il rullante, i tom bassi e alti, il piatto ride e il crash.
  • Tastiera: i gruppi jazz usano spesso una tastiera o un pianoforte. Il pianoforte è stato considerato una parte classica del jazz sin dal suo inizio. La tastiera è uno dei migliori strumenti per l’armonia e l’improvvisazione.
  • Chitarra: contrariamente alla credenza popolare, quasi tutti i gruppi jazz amano usare la chitarra. Le chitarre a corpo cavo o jumbo sono le preferite dai musicisti jazz. Tuttavia, molti usano anche chitarre elettriche.
  • Tromba: è uno strumento in ottone con bocchino vibrante. Le trombe sono diventate il pilastro del jazz, tutto grazie a Louis Armstrong.
  • Basso: il contrabbasso è parte integrante del jazz. Ma i jazzisti pizzicano le corde invece di usare un arco quando suonano il basso. Questo crea un effetto pulsato unico.
  • Sassofono: nessun altro strumento consente a un jazzista di esprimere le proprie note musicali individuali con la stessa facilità di un sassofono. È interessante notare che questo è uno strumento a fiato fatto di ottone.
  • Trombone: Realizzato in ottone, questo strumento musicale è stato utilizzato nella musica jazz sin dall’origine di questo genere musicale. Inizialmente, è stato utilizzato in background. Ma negli anni ’30 i tromboni divennero popolari come strumenti solisti.
  • Voci: il jazz non è noto per le parti vocali. Tuttavia, molti cantanti jazz continuano ad attirare folle da ogni parte il globo. Pensa a leggende del jazz come Billie Holiday ed Ella Fitzgerald e ai migliori cantanti di oggi come Gretchen Parlato e Becca Stevens.

4. I più grandi artisti jazz di tutti i tempi

Questa breve guida alla musica jazz sarebbe incompleta senza elencare alcuni degli artisti iconici di questo genere musicale. Ogni artista in questo elenco ha dato origine a diversi tipi di stili jazz, rendendolo più popolare che mai. Se stai cercando di farti un’idea del jazz, ecco alcuni artisti che devi ascoltare.

  • Louis Armstrong: probabilmente la prima famosa star del jazz, era ben noto per il suo stile ritmicamente sofisticato e operistico. Rimane l’artista jazz più influente e un brillante trombettista.
  • Miles Davis: un altro leggendario trombettista, ha sviluppato diversi tipi di stili jazz nel corso della sua carriera. Davis è noto per aver messo insieme alcune delle band jazz più classiche degli anni ’50 e ’60.
  • Billie Holiday: una delle più famose cantanti jazz di tutti i tempi, aveva una voce piena di sentimento. Ha dato vita a dischi che definiscono il genere nel corso della sua carriera. Anche dopo la sua prematura scomparsa a 44 anni, ha continuato a ispirare milioni di persone.
  • Ella Fitzgerald: soprannominata la First Lady della canzone, Ella Fitzgerald è probabilmente il cantante jazz più iconico finora. È stata benedetta con una voce impeccabile, che le ha conferito una voce cantata unica.
  • Gerry Mulligan: Gerry Mulligan era uno dei musicisti jazz ampiamente rispettati e ammirati che hanno reso popolare il jazz “cool”. È considerato un musicista jazz versatile che non ha mai avuto paura di sperimentare stili diversi.

Quali strumenti vengono utilizzati nella musica jazz?

La musica jazz, come tutti gli altri generi musicali, utilizza uno specifico set di strumenti noti per mescolare quel perfetto suono in stile jazz che ha reso il genere jazz così famoso e amato. Il jazz è chiaramente riconosciuto per il suo suono e stile distinto, che fa parte di ciò che rende la musica così popolare. Ecco perché questo articolo si concentrerà completamente sugli strumenti jazz e sugli strumenti di musica jazz più comuni.

Tuttavia, poiché la musica jazz è così adattabile e imprevedibile, è una forma spesso estremamente sperimentale in termini di strumentazione. Ciò implica che gran parte del jazz attuale cerca di alterare le proprie selezioni musicali; tuttavia, ci sono alcuni strumenti che compaiono nella maggior parte dei gruppi jazz, quindi li esamineremo più in dettaglio qui.

Tromba

Le trombe sono ben note nella musica jazz per produrre il tono brillante e audace caratteristico del genere. Scoprirai spesso che le trombe possono essere tolte e sostituite con cornette, che allo stesso modo producono un suono forte. Le trombe hanno un prezzo ragionevole e puoi iniziare a suonare acquistandone una nuova o noleggiandone una.

Sassofono

I sassofoni sono uno degli strumenti jazz più conosciuti, e quando si pensa a un gruppo jazz, il sassofono è generalmente il primo strumento che viene in mente. Se in realtà non lo sapevi, i sassofoni esistono in diverse dimensioni, ognuna delle quali produce toni e note leggermente diversi. Contralto è la dimensione più popolare, per cominciare, seguita da Tenore. Ciò è spesso dovuto alle dimensioni, alla facilità di esecuzione e al repertorio offerto. Potresti iniziare semplicemente noleggiando un sassofono a un canone mensile economico.

Pianoforte

Il pianoforte è uno strumento versatile che appare in una vasta gamma di stili musicali in tutto il mondo. La versatilità dello strumento lo rende un’ottima opzione per il jazz.

Trombone

Il trombone conferisce un elemento teatrale a un gruppo jazz e, a causa delle sue dimensioni, è spesso uno dei membri più riconosciuti di un gruppo jazz. Il trombone è stato originariamente utilizzato nel jazz come strumento di backup dal Dixie Group durante Dixieland Jazz. In realtà, il trombone è davvero decollato durante l’era del jazz degli anni ’30, quando era alla sua massima popolarità nel genere.

La maggior parte dei musicisti inizia con un trombone tenore (tipicamente utilizzato principalmente nel jazz), quindi passa a un modello di trombone basso o Sib/Fa se suona in modo più tradizionale.

Clarinetto

Il clarinetto potrebbe non essere così drammatico o grande come il sassofono o il trombone, ma ha svolto un ruolo importante nella creazione della musica jazz. Alcuni dicono che il clarinetto abbia avuto un impatto significativo sull’influenza e l’importanza del jazz, in particolare durante il primo periodo del jazz in aree come New Orleans.

I clarinetti sono ragionevolmente convenienti da acquistare e possono essere affittati su base mensile. Sono una componente significativa della famiglia di strumenti jazz a fiato.

Fagotto (contrabbasso)

Il contrabbasso è uno strumento bellissimo (ed estremamente massiccio) e potente con un timbro distinto e distinto. Poiché il contrabbasso è più grande del violoncello, gli esecutori devono stare in piedi quando lo suonano. Ti piacerà vedere ensemble jazz con un contrabbasso e l’esecutore sarà una vera presenza sul palco!

I tamburi

Poiché il ritmo e il suono della batteria sono così fondamentali per il passato culturale in cui la musica jazz è nata e cresciuta, la batteria è sempre stata una componente del jazz. I tamburi comprendono la sezione ritmica dell’ensemble jazz e sono costituiti da grancassa, rullante e piatti.

Chitarra elettrica

Col passare del tempo e la musica jazz è diventata più moderna e lungimirante, le chitarre elettriche possono ora essere trovate anche nelle band jazz.

River Street Jazz Cafe: un cenno ai jazz club in America

Ti sei chiesto come è nata la musica jazz, proprio qui in NEPA? Abbiamo dato un’occhiata agli elementi del jazz e ad alcuni dei club più famosi degli Stati Uniti. Dai un’occhiata al nostro blog musicale per la storia fluida del jazz e preparati a diventare jazz.

Cos’è il Jazz?

All’inizio, i musicisti jazz tendevano all’improvvisazione sotto forma di esibizioni soliste che richiedevano un’enorme quantità di abilità. Sebbene il genere possa variare, la maggior parte del jazz può essere classificata come “molto ritmica, ha uno slancio in avanti chiamato” swing “e utilizza note” piegate “o” blu “.

Molte persone che pensano alla musica jazz in senso storico pensano ai modelli di chiamata e risposta in cui un cantante, strumento o voce può rispondere a un altro. Mentre il jazz è pieno di suoni sensuali, può portare un ascoltatore attraverso lo spettro delle emozioni dalla gioia al dolore e tutto il resto.

È importante sapere che non esistono due musicisti che suonano la musica allo stesso modo. In effetti, gli artisti sarebbero noti per i loro distinti stili di suono e presenza scenica.

L’ascesa del jazz negli Stati Uniti

Il jazz è diventato sempre più popolare nella primissima parte del 20° secolo. In aree chiave come New Orleans, dove la popolazione era più diversificata, persone provenienti da Africa, Francia, Caraibi, Italia, Germania, Messico e coloro che erano indiani d’America, oltre che inglesi, mescolarono i propri sapori culturali per creare un nuovo marchio di suono. Da questo è nato il ragtime, le marce e la musica blues.

Il jazz era principalmente per ballare, con le prime registrazioni avvenute nel 1917 secondo il National Museum of American History. Man mano che cresceva in popolarità, fiorivano le carriere di più musicisti. Le star dell’era jazz come Louis Armstrong, Duke Ellington, Charlie Parker e Miles Davis hanno conquistato la scena musicale.

I club più storici

Il River Street Jazz Cafe potrebbe essere il tuo locale musicale preferito nella NEPA, ma dai un’occhiata a questi jazz club storici in tutto il mondo.

  • Village Vanguard: Il più antico jazz club di New York City, il Village Vanguard è noto come “Carnegie Hall of Cool.” Fondato da Max Gordon nel 1935, è stato il punto di riferimento della scena jazz nel Greenwich Village. 
  • Little Gem Saloon: La posizione originale di Little Gem Saloon, l’isolato 400 del sud Rampart Street a New Orleans, è considerata la vera culla del jazz. 
  • Andy’s Jazz Club: Originariamente aperto a Chicago nel 1951, questo club si è trasformato in un jazz sede nel 1975 sotto una nuova proprietà. I musicisti folk e blues iniziarono a esibirsi lì, portando due band dal vivo al giorno. 
  • The Lighthouse Cafe: Se hai visto il film “La La Land”, allora hai visto il Lighthouse Cafe. I musicisti jazz iniziarono ad esibirsi lì nel 1949, e divenne uno dei jazz club più famosi della West Coast. 
  • Minton’s Playhouse: Conosciuto come il luogo di nascita del bebop, il Minton’s Playhouse è stato aperto nel 1938 ad Harlem . Nomi importanti che sono saliti sul palco includono Dizzy Gillespie, Louis Armstrong e Duke Ellington.

Diventare jazz

A River Street, celebriamo i suoni di ogni genere, riunendo musicisti, fan e amici per condividere la musica e il momento.

4 motivi per cui ogni musicista dovrebbe studiare jazz

I musicisti che abbracciano tutti i tipi di generi in tutto il mondo hanno tutti una cosa in comune: vogliono migliorare nel loro mestiere. Vogliono diventare musicisti migliori nel loro genere e vogliono diventare più abili con i loro strumenti. Il desiderio di diventare i migliori musicisti possibili ci unisce.

Ogni genere musicale ha qualcosa da insegnarci, che sia pop, rock, hip-hop o classica; e questi sono solo gli stili più importanti. Ci sono stili musicali unici che vengono suonati in ogni angolo del mondo, ognuno con le proprie serie di sfide e lezioni da imparare.

Uno stile musicale che credo tutti i musicisti dovrebbero dedicare del tempo allo studio è il jazz. Forse è solo il mio pregiudizio di musicista jazz a parlare, ma in effetti la musica jazz è un genere che copre molti elementi musicali diversi.

Il jazz può essere complesso armonicamente, ritmicamente e melodicamente. Non è il genere più facile in cui diventare bravi perché richiede un certo livello di virtuosismo da parte dello strumentista.

Quindi, se sei un musicista al di fuori del circolo del jazz e ti chiedi se vale la pena dedicare del tempo a studiare un po’ di jazz, ecco quattro motivi per cui ne varrà la pena!

1. Amplierà la tua conoscenza armonica.

Gli standard jazz sono ricchi di informazioni armoniche. Utilizza l’intero spettro dell’armonia diatonica ma poi si estende anche nel regno non diatonico. Se vuoi capire come sono costruiti gli accordi e le progressioni di accordi, allora il jazz ti insegnerà.

Il jazz utilizza molti colori degli accordi. Nel repertorio jazz, gli accordi predefiniti sono gli accordi di settima, quindi vengono aggiunte estensioni e alterazioni. Questi tipi di accordi che vengono messi insieme in progressioni di accordi diventano lezioni incredibili sulla guida vocale e su come collegare gli accordi insieme.

Se vuoi capire le possibilità dell’armonia e della teoria musicale, dovresti dedicare un po’ di tempo allo studio del jazz.

2. Ti costringerà a essere abile con il tuo strumento.

A causa delle complessità armoniche del jazz, della gamma di tempi da lenti a veloci e del linguaggio della musica stessa, non avrai altra scelta che diventare abile con il tuo strumento.

Il jazz non ti permette di prendere scorciatoie. Non è un tipo di musica “una scala adatta a tutti” e per suonare un autentico linguaggio jazz, devi essere in grado di navigare con competenza nel tuo strumento. Se ci sono zone grigie sul tuo strumento o fondamenti di base che ti mancano, il jazz ti farà sapere quali sono.

Questa è ovviamente un’ottima notizia per qualsiasi musicista! Se riesci a identificare ed essere costretto a praticare i tuoi punti deboli sul tuo strumento, ti aiuterà solo a suonare meglio il tuo stile musicale.

Una volta ho avuto un cantautore per una lezione di chitarra con me. Voleva solo avere una prospettiva diversa sulle cose. Aveva quell’atteggiamento di voler migliorare ed essere disposto a cercare aiuto in un altro genere.

In quella prima lezione gli insegnai a suonare triadi maggiori e minori in tutte le inversioni e forme su tutta la tastiera; il tipo di cose che tornano utili quando si suona jazz. Ha scosso il suo mondo! Ha iniziato a riavvicinarsi a tutte le sue composizioni originali per aggiungere diverse voci principali semplicemente sottotitolando diverse inversioni di accordi.

Ora, non è necessario studiare il jazz per impararlo, ma questo è un piccolo esempio di come questo tipo di allenamento possa farti percorrere strade diverse che prima non avresti mai percorso.

3. Migliorerà il tuo orecchio… alla grande.

Al centro del jazz c’è l’improvvisazione. Ecco di cosa tratta questa musica, e per diventare un grande improvvisatore devi avere un grande orecchio. Nessuna quantità di teoria e conoscenza di accordi / scale ti porterà dove vuoi andare senza un grande orecchio.

Il jazz è tradizionalmente imparato a orecchio. Puoi imparare il repertorio e gli assoli dagli spartiti, ma non è così che il jazz è stato tramandato nel corso dei decenni. I musicisti jazz hanno sempre imparato a orecchio il repertorio, gli assoli, i fraseggi e le frasi. Questa è una parte essenziale di una formazione jazz.

Imparare il contenuto degli stessi standard jazz costruirà il tuo orecchio. È armonicamente e melodicamente complesso e quando inizi ad adattare il tuo udito a questi suoni, le tue orecchie sentiranno di più.

4. Ti aiuterà a diventare un compositore migliore.

Avere tutta questa conoscenza armonica e la comprensione degli accordi e delle progressioni di accordi ti aiuterà a diventare un compositore migliore. Il jazz ti nutrirà costantemente con idee diverse su come collegare gli accordi sia in modo diatonico che non diatonico.

Gli standard jazz sono anche grandi studi di melodia. Vuoi sapere come comporre una grande melodia? Gli standard jazz hanno superato la prova del tempo grazie alla ricchezza delle loro melodie.

C’è così tanto che il jazz ha da offrire a ogni tipo di musicista. Non è necessario aspirare a diventare un grande musicista jazz per trarne qualcosa.

Se non lo sei già, poniti l’obiettivo di studiare alcuni standard jazz e vedere dove ti porta.

9 brani di valzer jazz che dovresti conoscere

Bene, ci sono diversi motivi per cui l’apprendimento dei valzer jazz è cruciale per il tuo sviluppo musicale. Che tu suoni il piano, la tromba, la chitarra o la batteria, vorrai studiare il valzer jazz per i seguenti motivi⁠—

  • La musica jazz è tradizionalmente suonata in 4/4 con quattro battute per misura. Un valzer jazz è scritto in 3/4 e ha tre battute per misura. Il tempo 3/4 è un paesaggio ritmico diverso rispetto alla maggior parte delle altre forme di musica americana. Imparare a navigare in metri dispari come improvvisatore o durante il comping è un aspetto fondamentale del suonare jazz.
  • I musicisti jazz devono imparare molti standard jazz. È incredibilmente importante conoscere il repertorio standard in modo da poter comprendere appieno il linguaggio del jazz e comunicare in modo efficace con altri musicisti jazz, e molti dei più grandi esempi di musica jazz sono i valzer.
  • La musica jazz copre una gamma abbastanza ampia di sottogeneri, come dixie, bebop e altri stili culturali, come la bossa nova. Per comprendere questa forma d’arte, suonare abilmente musica jazz ed entrare in contatto con musicisti jazz di tutto il mondo, avrai bisogno di conoscere il valzer.

9 valzer jazz che i musicisti jazz devono conoscere⁠—

Se stai esaminando il tuo repertorio jazz e ti rendi conto di non conoscere alcun valzer, allora questa lista è il posto perfetto per iniziare. Questo elenco non è in un ordine particolare e non è affatto completo. Piuttosto, contiene una varietà di interpretazioni diverse del valzer jazz.

Ce ne sono molti da imparare, ma per non lasciarti sopraffatto, eccone 9 che ti suggerisco. Puoi fare clic su uno qualsiasi dei titoli per saperne di più, ottenere grafici degli accordi, suonare insieme e ascoltare le registrazioni.

1. Alice nel paese delle meraviglie

Alice In Wonderland è un valzer jazz scritto da Sammy Fain per il classico Disney del 1951 Alice In Wonderland. Il pianista Bill Evans ha probabilmente portato questa canzone alla popolarità nel mondo del jazz con la sua incredibile registrazione della domenica del 1961 al Village Vanguard. La registrazione di Evans è spesso citata come esempio dello stile “jazz modale” reso popolare negli anni ’60.

2. Valzer Jitterbug

Questo è facilmente uno dei miei valzer jazz preferiti. Jitterbug Waltz è stato scritto dal pianista Fats Waller nel 1942. La versione originale è stata registrata con un Hammond B3, che in seguito sarebbe diventato uno strumento popolare nel jazz. Uscendo dall’era dello swing classico, questo valzer contiene un ritmo swing vivace e contagioso, con il pianoforte e la voce di Waller in primo piano.

3. Bluesette

Bluesette è stato scritto dall’armonicista Toots Thielemans. Dal primo battito, è diventato un successo internazionale negli anni ’60 ed è stato originariamente registrato con lui che fischiava la melodia insieme a una chitarra. Questo valzer rappresenta un netto allontanamento dagli arrangiamenti più strutturati dell’era dello swing. Questo valzer è anche un ottimo esempio della creatività e della sperimentazione dell’era post-bop, con la sua fusione unica di elementi di musica jazz e folk.

4. Impronte

Questo è sicuramente importante da sapere. Footprints è un brano scritto dal grande sassofonista Wayne Shorter. È apparso per la prima volta nel suo disco del 1966 Adams Apple. Il valzer presenta una melodia distintiva suonata su una variazione del blues minore, conferendogli una qualità ipnotica e simile alla trance.

5. Tutti gli azzurri

Un altro valzer jazz molto comune. All Blues è stato scritto da Miles Davis per il suo disco più venduto del 1959, Kind Of Blue. È un blues di 12 battute con V7 a bVI7 a V7 nelle battute 9 e 10, una firma di questo brano. “All Blues” è un ottimo esempio della creatività e della sperimentazione dell’era post-bop, con la sua miscela unica di armonia modale e forte enfasi sul blues.

6. Primavera saltata in alto

Up Jumped Spring è un brano scritto dal grande trombettista Freddie Hubbard. Trovo che questo valzer jazz sia molto divertente da suonare! Questo valzer è un ottimo esempio dello stile “hard bop” emerso negli anni ’50 e ’60, caratterizzato da una combinazione di influenze bebop e blues e da una maggiore enfasi sull’improvvisazione.

7. Brutta bellezza

Questa potrebbe non essere la canzone più facile, né la più comune, ma è un buon valzer su cui lavorare. Ugly Beauty è stato scritto dal grande pianista e compositore innovativo Thelonious Monk. È stato registrato nel suo disco Underground del 1968 ed è l’unico valzer che abbia mai scritto. Questo valzer contiene tutte le melodie, le armonie e i ritmi unici, idiosincratici e non convenzionali di Monk.

8. Un giorno verrà il mio principe

Questo valzer sembra essere uno dei preferiti dai jazzisti. Un giorno verrà il mio principe è una melodia scritta da Frank Churchill e testi di Frank Morey per il film d’animazione di Walt Disney del 1937 Biancaneve e i sette nani. Someday My Prince Will Come è un ottimo esempio del crossover tra jazz e musica popolare attraverso le interpretazioni creative di musicisti come Miles Davis.

9. Blues della costa occidentale

West Coast Blues è stato scritto dal genio della chitarra jazz, Wes Montgomery. Questo valzer è apparso per la prima volta nell’album del 1960 di Wes, The Incredible Jazz Guitar of Wes Montgomery, ed è un grandeesempio dello stile unico e influente di Wes Mongomery

15 accordi jazz per pianoforte popolari resi facili

Una delle caratteristiche più importanti della musica jazz è la sua ricca armonia. A differenza di molte altre forme di musica, è pieno di intricate progressioni di accordi e accordi corposi. Può sembrare un po’ intimidatorio per un estraneo che guarda dentro, ma chiunque abbia una conoscenza di base delle strutture degli accordi non è troppo lontano!

In questo post, esploreremo 15 accordi di pianoforte jazz di base in posizione fondamentale che puoi incorporare nel tuo modo di suonare il pianoforte, sia che tu sia nuovo nel suonare il pianoforte jazz o che tu stia cercando di migliorare le tue capacità jazz da un po ‘.

Gli accordi di pianoforte che tratteremo si trovano in così tante progressioni di accordi jazz comuni. Imparando questi 15 accordi di pianoforte jazz (in ogni chiave), puoi suonare qualsiasi standard jazz che incontri.

Tratteremo gli accordi maggiori essenziali, gli accordi dominanti, gli accordi minori, l’accordo diminuito e le estensioni essenziali in modo che tu possa sederti con altri musicisti jazz alla prossima jam session:

  • Accordi di settima maggiore
  • Accordi di nona maggiore
  • Accordi maggiori di 6/9
  • Accordi di settima dominante
  • Dominante 9 accordi
  • Accordi di dominante 7(b9)
  • Accordi Dominant 7(#9)
  • Accordi Dominant 7(#5)
  • Accordi di 7 dominante (b5)
  • Accordi di settima minore
  • Accordi di 9 minori
  • Accordi di 6 minori
  • Accordi di 7 minore(b5)
  • Accordo di settima diminuita

Prima di iniziare, ho una domanda per te.

Ti senti bloccato nel tuo viaggio al pianoforte jazz? Prendi lezione dopo lezione ma non riesci a fare progressi? Come molti musicisti jazz, probabilmente conosci l’importanza di esercitarti, ma sapevi che esercitarsi è un’abilità che richiede… beh, un po’ di pratica?

La stragrande maggioranza dei pianisti incontra un muro con la pratica e non progredisce mai oltre un certo punto. Se vuoi entrare a far parte di una comunità di avidi jazzisti che desiderano seriamente imparare a esercitarsi in modo efficace, allora devi dare un’occhiata al nostro Inner Circle.

Quando ti iscrivi, sarai in grado di accedere al nostro corso Jazz Piano Accelerator che contiene 16 lezioni progettate per portare il tuo pianoforte jazz al livello successivo. Se stai cercando un modo comprovato e sistematico per costruire le tue braciole di pianoforte jazz, è proprio questo. Non perdere l’occasione.

Una breve parola sull’armonia jazz

Sebbene i musicisti jazz possano usare una parola diversa o un simbolo di accordo per descrivere i toni degli accordi, i gradi di scala o altre caratteristiche della musica jazz, la musica jazz (e la teoria del jazz) opera sullo stesso insieme di regole di base della musica classica, della musica rock e di altri le forme di musica lo fanno. Che tu stia suonando Au Claire De Lune, Rock the Casbah o Giant Steps, tutto si basa sull’armonia terziaria.

Allora perché la musica jazz suona così ricca, espressiva e unica?

Il motivo per cui la musica jazz (e gli accordi di pianoforte jazz che spesso la alimentano) suona così ricco e materico ha molto a che fare con lo stile del pianista e le note che scelgono per rappresentare l’armonia del momento.

Cosa rende Bill Evans diverso da Thelonius Monk? Fondamentalmente, è sia quello che scelgono di suonare sia il modo in cui scelgono di suonarlo. Dall’espressione nella melodia e le particolari voci degli accordi che un musicista sceglie alla tecnica della mano destra o della mano sinistra che usa per suonarla, quando ascolti il jazz, è tutta una questione di personalità dietro la musica.

Sulle origini strumentali del jazz

jazz, forma musicale, spesso improvvisata, sviluppata dagli afroamericani e influenzata sia dalla struttura armonica europea che dai ritmi africani. È stato sviluppato in parte dal ragtime e dal blues ed è spesso caratterizzato da ritmi sincopati, esecuzione di ensemble polifonici, vari gradi di improvvisazione, deviazioni di tono spesso deliberate e l’uso di timbri originali.

Qualsiasi tentativo di arrivare a una definizione precisa e onnicomprensiva del jazz è probabilmente inutile. Il jazz è stato, sin dai suoi inizi all’inizio del XX secolo, una musica in continua evoluzione, espansione, cambiamento, passando attraverso diverse fasi distintive di sviluppo; una definizione che potrebbe applicarsi a una fase, ad esempio allo stile o allo swing di New Orleans, diventa inappropriata se applicata a un altro segmento della sua storia, diciamo, al free jazz. I primi tentativi di definire il jazz come una musica la cui caratteristica principale era l’improvvisazione, ad esempio, si sono rivelati troppo restrittivi e in gran parte falsi, dal momento che anche la composizione, l’arrangiamento e l’ensemble sono stati componenti essenziali del jazz per la maggior parte della sua storia. Allo stesso modo, la sincope e lo swing, spesso considerati essenziali e unici per il jazz, mancano di fatto in gran parte del jazz autentico, sia degli anni ’20 che dei decenni successivi. Ancora una volta, l’idea di lunga data che lo swing non potesse verificarsi senza sincope è stata completamente smentita quando i trombettisti Louis Armstrong e Bunny Berigan (tra gli altri) hanno spesso generato un enorme swing mentre suonavano semiminime ripetute e non sincopate.

Il jazz, infatti, non è – e non è mai stato – una musica interamente composta, predeterminata, né interamente improvvisata. Per quasi tutta la sua storia ha impiegato sia approcci creativi in vari gradi che infinite permutazioni. Eppure, nonostante queste diverse confusioni terminologiche, il jazz sembra essere immediatamente riconosciuto e distinto come qualcosa di separato da tutte le altre forme di espressione musicale. Per ripetere la famosa risposta di Armstrong quando gli è stato chiesto cosa significasse swing: “Se devi chiedere, non lo saprai mai”. Ad aumentare la confusione, spesso ci sono state differenze percettive apparentemente incolmabili tra i produttori di jazz (esecutori, compositori e arrangiatori) e il suo pubblico. Ad esempio, con l’arrivo del free jazz e di altre manifestazioni d’avanguardia degli ultimi giorni, molti musicisti senior sostenevano che la musica che non oscillava non fosse jazz.

La maggior parte dei primi compositori di musica classica (come Aaron Copland, John Alden Carpenter e persino Igor Stravinsky, che si innamorò del jazz) erano attratti dai suoi suoni e timbri strumentali, dagli effetti insoliti e dalle inflessioni del jazz (sordine di ottoni, glissando, scoop, bends, e ensemble senza archi), e le sue sincopi, ignorando completamente, o almeno sottovalutando, gli aspetti estemporanei del jazz. In effetti, i suoni che i musicisti jazz emettono sui loro strumenti – il modo in cui attaccano, flettono, rilasciano, abbelliscono e colorano le note – caratterizzano l’esecuzione jazz a tal punto che se un brano classico fosse suonato da musicisti jazz nei loro fraseggi idiomatici, sarebbe si chiamerebbe con ogni probabilità jazz.

Tuttavia, un aspetto importante del jazz lo distingue chiaramente da altre aree musicali tradizionali, in particolare dalla musica classica: l’esecutore jazz è principalmente o totalmente un compositore creativo, improvvisatore – il suo stesso compositore, per così dire – mentre nella musica classica l’esecutore tipicamente esprime e interpreta la composizione di qualcun altro.

Grida campestri e cortei funebri: formare la matrice

Il jazz, come si è infine evoluto come uno stile musicale e un linguaggio distinto, comprendeva ciò che Max Harrison chiama, nel New Grove Dictionary of Music and Musicians, una “matrice composita” composta da una miriade di diversi elementi vernacolari che si sono incontrati a tempi diversi e in regioni diverse. Questa matrice includeva i field hollers delle piantagioni di cotone; i canti di lavoro sulle ferrovie, sui fiumi e sugli argini; inni e spiritual; musica per fanfare, cortei funebri e parate; musica da ballo popolare; la lunga tradizione dell’esecuzione del banjo (a partire dal 1840), che culminò mezzo secolo dopo nell’enorme popolarità del banjo; ciuffi di opera europea, teatro e musica da concerto; e, naturalmente, il blues e il ragtime. Queste ultime due forme iniziarono a fiorire alla fine del XIX secolo: il blues più come musica informale fornita principalmente da cantanti, chitarristi e pianisti itineranti e il ragtime che divenne (nel 1900) l’intrattenimento popolare e la musica da ballo d’America.

Il ragtime differisce sostanzialmente dal jazz in quanto era (1) una musica completamente composta e completamente notata destinata ad essere suonata più o meno allo stesso modo ogni volta, proprio come la musica classica, e (2) una musica scritta inizialmente ed essenzialmente per il piano. Il jazz, al contrario, divenne una musica principalmente strumentale, spesso non notata e parzialmente o totalmente improvvisata. Il ragtime aveva la sua forma a quattro parti derivata dalla marcia, divisa in sezioni successive di 16 battute, mentre il jazz, una volta svezzato dalla forma del ragtime, si è rivolto al blues di 12 battute (o occasionalmente a 8 battute) o al 32- forme di canzoni da bar. Ciò che i due generi musicali avevano in comune erano le loro melodie e i loro temi sincopati (quindi “irregolari”), posti su una costante “regolare”
Accompagnamento 2/4 o 4/4.

Gli anni dal 1905 al 1915 furono un periodo di tremendi sconvolgimenti per i musicisti neri. Anche i molti musicisti che erano stati formati nella musica classica ma non avevano trovato – in quanto neri – nessun impiego in quel campo erano ora costretti a rivolgersi al ragtime, che potevano almeno suonare negli honky-tonk, nei bordelli e nei club; molti di questi musicisti alla fine sono passati al jazz. Centinaia di altri musicisti, incapaci di leggere e scrivere musica, avevano comunque una grande capacità di impararla a orecchio, oltre a un talento musicale superiore. Riprendendo a orecchio il ragtime e la musica da ballo (forse non precisamente), iniziarono quasi per necessità ad abbellire questi brani sincopati – allentandoli, per così dire – fino a quando l’ornamento si trasformò in modo del tutto naturale in semplice improvvisazione. Questo processo ha assunto uno slancio significativamente maggiore una volta che i rags per pianoforte di maestri compositori come Scott Joplin, Joseph Lamb e James Scott sono apparsi in arrangiamenti eseguiti regolarmente da band e orchestre.

Il fatto che il pianista-compositore Jelly Roll Morton fosse uno spaccone che sosteneva di essere “l’inventore del jazz” non dovrebbe oscurare il suo ruolo principale nello sviluppo di quella musica. Già nel 1902 Morton suonava il pianoforte ragtime nei decantati bordelli di Storyville, il famoso quartiere a luci rosse di New Orleans. Successivamente ha iniziato a lavorare come musicista itinerante, attraversando più volte il sud e alla fine si è recato a Los Angeles, dove ha vissuto per diversi anni. Come primo grande compositore di jazz, Morton sembra aver assimilato (come un maestro chef che prepara una grande bouillabaisse di New Orleans) gran parte della suddetta matrice, in particolare blues e ragtime, in un unico nuovo, distinto, coerente stile musicale. Altri, come il sassofonista soprano Sidney Bechet, il trombonista Kid Ory e i cornettisti Bunk Johnson e Freddie Keppard, quattro dei primi musicisti jazz più dotati, arrivarono a conclusioni simili prima del 1920.

Johnson e altri si consideravano musicisti ragtime. In verità, nei casi di molti musicisti di quella generazione – sia neri che bianchi – cresciuti con il ragtime, l’ascoltatore avrebbe difficoltà a determinare quando il loro modo di suonare è passato da stracci abbelliti a jazz improvvisato. I musicisti hanno confermato la tenuità e la varietà di questi primi sviluppi in affermazioni come quella del suonatore di canne Buster Bailey (parlando degli anni prima del 1920): “Io… stavo abbellendo intorno alla melodia. A quel tempo [1917-18] non avrei saputo cosa intendessero per improvvisazione. Ma l’abbellimento era una frase che capivo. E il suonatore di canne Garvin Bushell ha detto: “Non chiamavamo la musica jazz quando stavo crescendo [a Springfield, Ohio]… Il pianoforte ragtime è stato l’influenza maggiore in quella parte del paese… Il passaggio al jazz è iniziato intorno al 1912 a 1915.”

Variazioni su un tema: il jazz altrove negli Stati Uniti

Nonostante l’ampia diffusione e distribuzione geografica di queste diverse tradizioni musicali, New Orleans fu il luogo in cui si sviluppò uno stile jazz distintivo e coerente. Tra il 1910 e il 1915 prende forma una sistematizzazione delle funzioni strumentali all’interno di un insieme essenzialmente collettivo e una regolarizzazione del repertorio. Nonostante il fatto che un set limitato di strumenti fosse disponibile per i musicisti neri (a quel tempo, tipicamente, cornetta, clarinetto, trombone, tuba o basso, pianoforte, banjo e batteria), il sassofono non divenne comune nel jazz per circa un altro decennio ), giunsero a una brillante soluzione che enfatizzava linee indipendenti ma armonicamente collegate e simultanee. A ciascuno dei sette strumenti è stato assegnato un ruolo individuale chiaramente definito nell’insieme collettivo polifonico stabilito. Così, la cornetta era responsabile dell’affermazione e occasionalmente dell’abbellimento del materiale tematico – la melodia – nella gamma media, il clarinetto eseguiva funzioni obbligate o discendenti in un registro acuto, il trombone offriva digressioni contrappuntistiche nella gamma del tenore o del baritono, e i quattro gli strumenti ritmici fornivano una base armonica unificata.

Che questa formazione, che enfatizzava linee simultanee indipendenti ma armonicamente legate, fosse non solo una brillante soluzione ma una necessità è confermato dall’incapacità in quei primi anni della maggior parte dei musicisti di leggere la musica. Non passò molto tempo prima che i musicisti iniziassero ad ampliare questi materiali e ad improvvisare nuove melodie fresche e obbligati di loro creazione. Tuttavia, queste esplorazioni sono rimaste all’interno del concetto di ensemble collettivo del jazz di New Orleans. Pochi musicisti prima del 1925 avrebbero potuto creare assoli indipendenti, estesi e improvvisati. E quando arrivò l’assolo come elemento integrante di un’esibizione jazz, il formato di New Orleans di un’improvvisazione d’insieme strettamente integrata passò di moda.

Intorno al 1915 New Orleans aveva prodotto una serie di musicisti straordinari, per lo più suonatori di cornetta e clarinetto, come il leggendario Buddy Bolden (leggendario in parte perché non ha mai registrato), Buddy Petit, Keppard, Johnson e Bechet. La maggior parte dei musicisti di New Orleans, inclusi decine di pianisti, trovò un impiego stabile nei palazzi di intrattenimento di Storyville, dove, per inciso, il termine jazz, inizialmente scritto “jass”, era la parola gergale comunemente usata per i rapporti sessuali. È ironico che le prime registrazioni jazz siano state effettuate a New York City il 30 gennaio 1917 da un gruppo di musicisti bianchi di second’ordine di New Orleans chiamato Original Dixieland Jazz Band. Quelle registrazioni, con i loro divertenti ma inconsistenti effetti sonori da cortile, presentano un’immagine fuorviante del vero jazz di New Orleans.

New Orleans non era l’unico luogo in cui si stava sviluppando il jazz. A seconda di come viene definito in senso stretto il jazz, alcune prime forme di esso erano praticate in luoghi remoti come Los Angeles, Kansas City, Missouri, Denver, Colorado e le città minerarie del Colorado, per non parlare di Baltimora, Maryland e New York. Città. Le ultime due città menzionate erano i principali centri del ragtime, del primo pianoforte pre-stride, dell’intrattenimento vaudeville, delle orchestre da ballo di grandi dimensioni e del teatro musicale, compreso il teatro creato esclusivamente da artisti neri. Diversi altri gruppi e musicisti jazz almeno embrionali erano attivi a New York tra il 1913 e il 1919, come James Reese Europe e le sue varie orchestre, la Jass Band di Earl Fuller, la band di Ford Dabney e i pianisti James P. Johnson, Abba Labba e Willie “Il Leone” Smith.

La chiusura di Storyville nel 1917 fu un disastro per i musicisti di New Orleans, molti dei quali continuarono a suonare nelle orchestre di battelli fluviali del Mississippi; L’orchestra di Fate Marable era la migliore e la più famosa di queste e includeva, a volte, il giovane Louis Armstrong. Altri si diressero direttamente a nord verso Chicago, che divenne rapidamente la capitale del jazz degli Stati Uniti. King Oliver, il tanto acclamato campione di cornetta di New Orleans, emigrò a Chicago nel 1918 e nel 1922 mandò a chiamare il suo discepolo più talentuoso, Armstrong, per unirsi alla sua Creole Jazz Band come secondo cornettista. I due hanno fatto la storia e hanno stupito il pubblico con le loro pause di duetto astutamente elaborate, e Armstrong ha avuto la possibilità di farsi le ossa musicali improvvisando liberamente contrappunto melodico alla cornetta solista di Oliver. Ancora più importante, la band di Oliver è stata in grado di forgiare uno stile notevolmente unificato e disciplinato, integrando ad un livello molto alto le abilità strumentali collettive e individuali dei musicisti, il tutto espresso in uno slancio irresistibile, meravigliosamente maestoso.